Até o dia 05 de setembro, o projeto gratuito aborda a beleza do céu, do Cerrado e concreto da capital federal com imagens do fotógrafo Daniel Mira em totens alimentados por energia solar

O renomado fotógrafo Daniel Mira traz sua visão única sobre Brasília na segunda edição da exposição “Brasília VR – Sobrevoo pela Capital”, na cidade de Alto Paraíso de Goiás, com uma proposta inovadora de imersão cultural. As obras de Mira, conhecido por sua abordagem poética e sensível, estarão em destaque na mostra fotográfica 100% gratuita, até o dia 05 de setembro, encantando os visitantes com sua interpretação artística da capital brasileira. A exposição “Em algum lugar e por toda parte | Brasília” será exibida em totens alimentados por energia solar, estará visível 24 horas por dia.

A curadoria da exposição, meticulosamente elaborada por Mira, busca compor os diversos aspectos da vida na capital. Mira explica: “Focamos em capturar não apenas a arquitetura icônica, mas também a cultura diversa e as interações humanas que definem Brasília. É um convite para explorar além dos cartões postais, adentrando os espaços que habitamos cotidianamente.”

A iniciativa é realizada pelo Instituto de Produção Socioeducativo e Cultural Brasileiro (IPCB) com o apoio da Secretaria de Estado de Economia do Distrito Federal e da Secretaria de Turismo do Distrito Federal. A exposição estará instalada na estrutura ao lado da Praça do Centro de Atendimento ao Turista (CAT). “Exibiremos monumentos turísticos, espaços históricos e culturais, com uma proposta que se integra ao contexto local e também contribui para o desenvolvimento da região de Alto Paraíso de Goiás”, explica Luciana Rodrigues, presidente do IPCB.

A primeira etapa do projeto começou no dia 25 de março com um passeio por meio de um simulador de asa delta em realidade virtual (VR), proporcionando uma experiência imersiva única e gerando fluxo turístico para Brasília a partir de um dos destinos mais requisitados nos arredores da cidade. A rota de voo abrangeu os principais pontos do Eixo Monumental, passando por monumentos como o Congresso Nacional, a Esplanada dos Ministérios, a Catedral, o Museu Nacional, a Torre de TV, o Estádio Nacional e o Memorial JK, entre outros.

Processo criativo
Sobre os desafios enfrentados durante o processo, Mira destaca a complexidade de retratar a vida urbana em sua plenitude: “Brasília é uma cidade rica em experiências, muitas vezes invisíveis à primeira vista. Nosso objetivo foi revelar esses momentos, dar voz às comunidades e celebrar a diversidade cultural que define nossa cidade.”

A contribuição de Mira para o projeto “Brasília VR” vai além das imagens aéreas proporcionadas pela tecnologia. Ele enfatiza: “É um olhar íntimo, de quem caminha e se conecta com a cidade diariamente. Capturar isso através da fotografia é um privilégio e uma responsabilidade.”

A exposição fotográfica de Daniel Mira, inserida no contexto do “Brasília VR”, promete não apenas encantar os visitantes, mas também inspirá-los a refletir sobre a intersecção entre arte, natureza e cultura urbana. É um convite para explorar Brasília sob uma nova ótica, revelando suas camadas de significado e beleza.

Sobre o projeto
O projeto “Brasília VR – Sobrevoo pela Capital” está alinhado com as iniciativas da Região Integrada de Desenvolvimento do Distrito Federal (RIDE-DF), abrangendo municípios de Goiás, Minas Gerais e Distrito Federal. A realização em Alto Paraíso de Goiás visa promover e valorizar Brasília como Patrimônio Cultural da Humanidade e Cidade Criativa do Design, contribuindo para o desenvolvimento local, geração de emprego e renda, além de fortalecer as áreas de educação, cultura e turismo na região.

Sobre o IPCB
O Instituto de Produção Socioeducativo e Cultural Brasileiro (IPCB) é uma instituição do Terceiro Setor sem fins lucrativos, dedicada à promoção da cultura e educação no Brasil. Fundado em 1999, o IPCB realiza projetos, pesquisas, oficinas e eventos culturais para contribuir ativamente para o desenvolvimento cultural e socioeducativo do país.

Serviço:
Brasília VR – Sobrevoo pela Capital, 2ª edição
Local: próximo à Praça do Centro de Atendimento ao Turista (CAT), em Alto Paraíso de Goiás (GO)
Data: exposição fotográfica “Em algum lugar e por toda parte | Brasília”: 23 de julho a 05 de setembro (24h por dia)
Classificação indicativa: livre

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Show acontece dia 22 de outubro e o público reviverá os clássicos da banda que marcou gerações e ainda mergulhará na história com a exposição exclusiva de itens da banda original

Uma banda que marcou uma geração com o sucesso meteórico ganhará uma homenagem no dia 22 de outubro em São Paulo. Os Mamonas Assassinas, que marcaram os anos 1990, será homenageado nos cinemas e a banda oficial do longa no palco da Vibra São Paulo, interpretando alguns dos maiores sucessos dos meninos de Guarulhos.E tem mais: no dia do show, os fãs terão a oportunidade única de conferir uma exposição especial com itens originais da banda!

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Artista brasileira participa do Salão Internacional de Arte Contemporânea do Carrousel du Louvre, com as obras da série minimalismo da coleção “Conversations with my soul”

Em outubro, a artista brasileira Flávia Carvalho Jackson participa das festividades da Semana de Arte Contemporânea na França. Ela viajou a Paris para participar do lançamento da exposição de suas obras no Carrousel du Louvre. No epicentro em que todos os holofotes do mundo das artes estão virados para capital francesa por causa da Semana de Arte Contemporânea de Paris, o que vem atraindo diversos eventos, entre eles, a renomada Art Basel em Paris. Em meio a toda essa efervescência, Flávia participou do Salão Internacional de Arte Contemporânea do Carrousel du Louvre, com artistas selecionados para a exposição, com suas obras da série minimalismo, da coleção “Conversations with my soul”.

As obras  expressam o diálogo interno para lidar com os tempos de impermanência extrema e treinar a capacidade humana de se adaptar, de deixar ir e aceitar às mudanças, inspirada na máxima que “a perfeição é alcançada, não quando há mais alguma coisa a acrescentar, mas quando não há mais nada para tirar”, de Antoine de Saint-Exupéry. Essa é a mensagem da artista durante a Semana Internacional de Arte de Paris.

Segundo Flávia respirar a Semana de Arte Contemporânea de Paris e poder participar das atividades é um grande presente, “me traz inspiração para produzir mais arte e através dela tocar o máximo de pessoas com a mensagem que só a arte tem capacidade de passar e romper barreiras, atingindo futuras gerações”, disse.

“Com sua história incomparável e dinamismo contemporâneo, Paris está posicionada de forma única como um epicentro fundamental da cena cultural internacional”, reforçou Marc Spiegler, diretor global da Art Basel sobre a Semana de Arte Contemporânea. “Nosso objetivo é aproveitar a posição incomparável de Paris como metrópole global para ajudar a criar uma semana vibrante que amplifique ainda mais a ressonância internacional da cidade como capital cultural”, completou o diretor

Em meio a esta conjunção mundial de arte que toma os redutos artísticos de Paris, a artista apresenta suas peças da série intitulada minimalismo, que mostra a profundidade e complexidade do simples, do essencial, em tempos que exigem a busca pela harmonia. “A beleza de apreciar a leveza, a harmonia de traços e cores, pairando de forma suave e intensa, enquadra-se na forma de olhar o que está à frente, de forma simples, agradável, apreciável, mínimo e essencial. Como a sabedoria da vida deve ser em focar no essencial e tirar as distrações”, enfatiza Flávia.

Flávia está em temporada internacional, a artista também participou em setembro de duas exposições na Itália, a exposição Arte & Cavallo – Mostra Internazionale d’Arte Contemporânea, no Hipódromo de San Siro, em Milão, com artistas convidados do mundo todo, onde Flavia recebeu reconhecimento por Mérito Artístico da Comissão Científica da mostra. Na sequencia, seguiu para Veroli, na região do Lácio, onde esteve em exposição no Museum Veroli da Academia Delle Arti Maço.  Depois de Paris, a agenda segue pela Europa e EUA, entre as exposições, ela encerra dezembro participando da próxima Art Basel Week, em Miami.

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A exposição “Brasil 200 anos — Percursos da Diplomacia Brasileira” já está à mostra no Palácio do Itamaraty, em Brasília. A exibição, que é uma homenagem ao Bicentenário da Independência do país, ficará à disposição do público até o dia 15 de novembro.

A mostra conta a história do Brasil pela diplomacia durante 200 anos desde a proclamação da Independência por Dom Pedro I. Para traçar esta linha do tempo são utilizados 54 painéis com 4,4 m², além de fotos de documentos raros, incluindo mapas antigos e publicações do acervo do conjunto do Itamaraty, no Rio de Janeiro.

Um dos destaques da exposição são imagens exclusivas de momentos e personagens marcantes nesse percurso. Vale lembrar que a mostra foi organizada pela Fundação Alexandre Gusmão (Fenag), em parceria com o Ministério das Relações Exteriores (MRE).

A exposição está aberta todos os dias, das 9h às 18h. Os interessados que não puderem ir até o local podem fazer um tour virtual.

*Com informações de Agência Brasil

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O Ministério das Relações Exteriores (MRE) abriu nesta quinta-feira (25) a exposição Um coração ardoroso: vida e legado de D. Pedro I. O evento figura entre as comemorações dos 200 anos da Independência do Brasil e permitirá que o público veja o coração do imperador, que está conservado em cápsula de vidro.

Emprestado pelo governo português para ser exposto durante as comemorações, o órgão do primeiro imperador brasileiro foi trazido de Portugal a bordo de um jato executivo da Força Aérea Brasileira (FAB) e chegou a Brasília na segunda-feira (22). 

No Palácio do Itamaraty, o coração está na Sala Santiago Dantas, climatizada para servir de exposição e cripta.

A exposição começou ontem e vai até o dia 5 de setembro. O local está aberto a receber visitas agendadas de estudantes das escolas da capital federal e, aos finais de semana, a a visitação será aberta ao público em geral.

Os horários de visitação e as regras que devem ser seguidas pelo público podem ser acessadas no site do Itamaraty. Clique aqui para mais informações. 

*Com informações de Agência Brasil

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“Crônicas

Quando soube da exposição “Crônicas Cariocas”, logo pensei no João do Rio e sua “Encantadora Alma das Ruas”. Venho revisitando a leitura esporadicamente, desta vez pela tela de um iPad. Neste moderno dispositivo luminoso, viajo no tempo e imagino um Rio idílico, romântico, quase ingênuo, iluminado por lampiões. Cidade capital, construída por braços fortes, que já foi até mesmo a sede do império português, com a vinda da família real em 1808. Como se pudesse reviver o Rio de João, saboreio os personagens descobertos no início do século XX pelo olhar curioso e apaixonado deste fundador da crônica carioca.

Ele descreve de forma quase poética o Rio antigo, de pequenas e precárias profissões: tatuadores, trabalhadores da estiva, mercadores de livros, músicos ambulantes, “os urubus” – de olho nos mortos para prestar auxílio funerário à família. O submundo passional de crimes, detentos, meretrizes. O mundo real da miséria, eterna chaga que molda esta cidade que  poderia ser um país. Enxerguei de imediato um paralelo entre a exposição no MAR e a obra do famoso flaneur. O seguinte trecho consta no texto de apresentação dos curadores:

“Eis a cidade do Rio de Janeiro, com as suas belezas, suas seduções e seus tormentos. Suas religiosidades e seus sacrilégios. Seu Cristo de braços abertos sangrando em cada corpo que tomba por mil ou por nenhuma razão.

Eis a cidade do Rio de Janeiro, com o seu tempo de muitas épocas. Aqui o passado costuma se intrometer no presente e os dias serem marcados por uma ordem que é um caos. Mas a alma carioca forja os dias de amanhã. Existe nela uma sorridente esperança que teimosamente segue, apesar de tudo, urdindo o futuro”. Conceição Evaristo

Fiquei ainda mais interessando na exposição quando soube que o historiador Luiz Antônio Simas e a escritora e linguista Conceição Evaristo estavam na curadoria. O vídeo que abre a exposição traz os dois em uma conversa com Teresa Cristina sobre o Rio dos subúrbios. Em seguida, uma bela referência à religiosidade de matriz afro-brasileira abre uma das galerias. A formação da identidade carioca e sua origem eminentemente negra é o foco do espelho que vi em “Crônicas Cariocas”. A poesia que nasce da favela, das escolas de samba, do baile charme A cultura sábia das matriarcas, pretos-velhos e ciganas. A malandragem das ruas, a ginga nos forrós e gafieiras… A feira de São Cristóvão, o Mercadão de Madureira.

O Rio dos terreiros, das rádios comunitárias, do jogo do bicho. Cidade multicultural, que abriga o luxo e o lixo. Rio que abraça, beija, morde, mastiga e cospe Gentilezas e Rosários. Rio complexo, refratário. O Rio de Moïse, Durval, Amararildo, Marielle. O Rio das belezas e delícias: incomparável, indescritível! Rio das águas de março – para as quais nunca estamos preparados… O que diria João do Rio se visse agora a cidade pela qual se apaixonou? Ficaria aterrorizado com o frenesi caótico e violento? Se interessaria pelos catadores de latinha, pelos pedintes do trem, pelos moradores de rua da Lapa, pela rapaziada da boca?

Percorri toda a extensão da exposição – incluindo a ampla área com belas obras no andar térreo – como um flaneur, com cuidado para absorver e registrar o máximo para esta crônica carioca. Fiquei embevecido com tantas imagens, um deleite para os sentidos. Com certeza, merece mais de uma visita: “Crônicas Cariocas” faz a mente viajar em um universo encantador e instigante, às vezes pornográfico, quase sempre ignorado pelos “flashes” e “likes”, mas que compõe de forma visceral o caldeirão chamado Rio de Janeiro.

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Conheça outras descobertas de Gabriel Versiani pelo Rio de Janeiro em outras edições da coluna Contexto Carioca aqui!

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A exposição “Parade – um pingo pingando, uma conta, um conto”, da jovem artista visual japonesa Yuko Mohri em cartaz no segundo andar da Japan House São Paulo, será prorrogada até 21 de novembro. Por mais uma semana, o público poderá conferir gratuitamente a instalação que apresenta ideias presentes na cultura nipônica como a transitoriedade e a impermanência, além do conceito [you no bi], do filósofo Soetsu Yanagi (1889-1961), que fala sobre encontrar a beleza nos objetos e utensílios do cotidiano.

Yuko apresenta ecossistemas compostos por esculturas cinéticas e sonoras em uma releitura tropicalizada de seu trabalho e homenagem à composição “Águas de março” de Tom Jobim. Com crescente reconhecimento no circuito artístico, a artista já apresentou suas obras no Japão, França e Inglaterra, e é convidada da 34ª Bienal de Arte de São Paulo.

“Parade – um pingo pingando, uma conta, um conto”, de Yuko Mohri

Período: até 21 de novembro de 2021
Segundo andar da Japan House São Paulo
Entrada gratuita
Reserva online antecipada (opcional): https://agendamento.japanhousesp.com.br/
A exposição conta com recursos de acessibilidade.

Japan House São Paulo – Avenida Paulista, 52
Horário de funcionamento:
Terça a sexta-feira, das 10h às 18h
Sábados: 9h às 19h
Domingos e feriados: das 9h às 18h
Entrada gratuita.
Devido ao coronavírus, o funcionamento está com capacidade reduzida. Para mais informações, acesse o site da Japan House São Paulo.

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Audiodrama chega a Brasília no dia 11 de novembro e fica em cartaz até 12 de dezembro no Centro Cultural Banco do Brasil. O projeto apresenta criações inventivas assinadas por grandes artistas brasileiros, como Fernanda Takai, Fausto Fawcett, Felipe Hirsch, os Irmãos Guimarães, Jefferson Miranda, Jocy de Oliveira e o grupo multimídia Chelpa Ferro. Eles vão convidar o espectador a deixar-se levar pelo som, pelas palavras, pela invenção.

A linguagem é produto da cultura humana. Durante milênios, todo o conhecimento de nossos ancestrais foi transmitido de forma oral. É icônica a imagem dos antepassados do homem moderno relatando a seu grupo fatos e histórias ao redor da fogueira. Ainda hoje, são as histórias narradas pelos pais aos filhos pequenos que primeiro despertam a imaginação das crianças. E nestes singulares tempos de isolamento social, foi ela, a oralidade, que mais uma vez se mostrou insubstituível como veículo de informação, educação, distração, em formatos renovados como podcasts, que inovaram o hábito de escutar. Agora, um projeto realizado pelo Centro Cultural Banco do Brasil Brasília promete recuperar e levar além a escuta na arte.

A iniciativa tem um formato inédito, idealizado e com curadoria do produtor cultural Cesar Augusto e do diretor artístico e curador de música experimental e de arte sonora Chico Dub.

Audiodrama vai apresentar 4 peças inéditas que utilizam o corpo sonoro (voz, som, efeitos) como principal recurso cênico. Duas das obras serão apresentadas na Galeria 4, alternando-se em horários que vão das 16h às 20h. A lotação da Galeria é de 52 pessoas por sessão. Outros dois trabalhos promoverão experiências individuais, através do uso de players e fones de ouvido, com sessões que percorrem diferentes espaços do CCBB e vão das 11h às 18h.

A entrada é franca, mas será necessário retirar ingressos. Os ingressos devem ser retirados no site bb.com.br/cultura e no site ou app da Eventim, no dia da sessão, a partir das 9h. Todos os equipamentos utilizados durante as apresentações serão devidamente higienizados a cada sessão. Serão respeitadas todas as normas de segurança com relação à pandemia pelo Covid-19, como distanciamento social e uso de máscaras.

PROGRAMAÇÃO

Galeria 4

Pesadelo Ambicioso (Fausto Fawcett e Chelpa Ferro)

Sessões de terça a domingo, às 16h e às 19h

Lotação: 52 pessoas por sessão

Classificação: 18 anos

Sinopse: A obra alterna diálogos, narrações, rápidas digressões filosóficas, confissões e devaneios a partir da inquietação que assola nossas relações sociais, onde as expectativas, os sistemas nervosos, os ambientes urbanos e os pensamentos dentro de cada um estão cada vez mais agulhados, atiçados, nublados e provocados por interferências e ruídos mentais e emocionais. “Pesadelo Ambicioso” é um drama lírico, épico, cômico e sonoro.

Fantasmagoria nº3 (Felipe Hirsch e Os Fita)

Sessões de terça a domingo, às 17h e às 20h

Lotação: 52 pessoas por sessão

Classificação: 12 anos

Sinopse: Uma fantasmagoria sonora que se manifesta, acresce e se dissipa; ecos de tempos e espaços distantes; alusão dos constituidores dos sentidos do artista, transformada em composição; rumor e ressonância da história cultural de um país; reminiscências e resíduos.

Jardim

O herói como batata (Irmãos Guimarães com Fernanda Takai & John Ulhoa)

Sessões contínuas, de terça a domingo, das 11h às 18h 

Experimentação individual através de players e fones de ouvido.

Classificação: 12 anos 

Sinopse: Em grande parte, as narrativas ocidentais foram, e são, construídas tendo a figura do herói como grande protagonista. Acompanhamos suas ações, muitas vezes violentas, na conquista de seus objetivos. A partir das ideias da escritora norte-americana Ursula Le Guin, O herói como batata propõe diferentes formas de construir e relatar histórias, ao acompanhar os acontecimentos ocorridos com outras personagens – como as mulheres, as mães e seus filhos.

Dura (Jefferson Miranda & Francisco Ohana com Jocy de Oliveira)

Sessões contínuas, de terça a domingo, das 11h às 18h 

Experimentação individual através de players e fones de ouvido.
Classificação: 12 anos 

Sinopse: Fábula sobre uma mulher que se transforma em pedra. Ao longo do percurso no jardim do CCBB, o público é convidado a acompanhar a trajetória de Aura, passeando por suas emoções, seu encontro com a natureza e com as mudanças inerentes à vida. Árida, mas também ventilada, a experiência quer estimular a imaginação em tempos de doença e desesperança.

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As visitas são gratuitas e poderão ser feitas online e presencial na LONA Galeria, em São Paulo

Os artistas incorporam desde a Renascença, cadernos ao seu trabalho, usando os mais diferentes materiais e realizando diversas experimentações, construindo uma obra autônoma, mas conectada com as pesquisas visuais de seus autores. As técnicas são as mais distintas e vão desde desenhos às colagens. As páginas dos cadernos desvelam a arte na sua essência mais profunda: se trata de uma forma de expressão usada pelos mais diferentes artistas, independentemente de seu tempo.

Desta maneira, o projeto surgiu através de uma parceria entre o responsável pela LONA Galeria e curador de arte Duilio Ferronato e o também curador e editor Eder Ribeiro, que convidaram 23 grandes artistas para colocarem suas experiências em cadernos durante três meses antes de ir para a exposição. “Os artistas são muito profissionais, foi supertranquilo, não tivemos problema nenhum e os cadernos ficaram incríveis”, explicam os responsáveis pelo projeto.

Até o dia 9 de outubro, a exposição poderá ser vista online ou presenciais. Quem não estiver em São Paulo, poderá acessar o link: https://www.lonagaleria.com/cadernosdeartistas. A LONA Galeria fica na São Bento, 181 – 1º. Andar – Centro, São Paulo e a visitação é gratuita.

Artistas dos Cadernos

‘Cadernos de Artista’ estará aberto a todos os amantes da arte e a todos aqueles que querem sentir a experiência pela qual um artista passa. Os artistas em destaque nesta exposição são:

– Daniel Mello é nascido em Joaçaba em Santa Catarina no ano de 1992. Ele se desenvolve na pintura abstrata, entre o contraste do belo com o transgressor. Ele utiliza principalmente a tinta acrílica e óleo sobre tela, papel e madeiras de descarte na produção de seus trabalhos. Com sua prática no ateliê seu movimento é alternado e por vezes se fundem, entre pintura, desenho e colagem.

– Gabriel Pessoto, nasceu em 1993 em Jundiaí. Em 2015 passou a expor trabalhos em exposições coletivas e foi contemplado pelo edital da prefeitura de Porto Alegre para ocupar a Galeria Lunara, onde montou a instalação “Glória” em parceria com Filipe Rossato, indicado ao Prêmio Açorianos de Artes Visuais na categoria Destaque em Novas Mídias. Apresentou em 2016 a exposição “Trégua”, primeira experiência individual e desenvolveu o projeto de residência artística “Variações sobre contato: vistas” na Casa13, espaço cultural em Córdoba, Argentina. Em 2018 realizou sua primeira exposição individual em São Paulo, “um pouco por dia já é muito” no centro cultural independente Casa da Luz. Gabriel gosta muito de cadernos, pois participam de seu processo através de notas, rabiscos, projetos, lembretes, desenhos precários e pequenos vestígios do dia.

– Gabriel Torggler, que nasceu no ano 1990 em São Paulo, desenvolve sua pesquisa poética pautada no desenho e gravura em metal. Durante o período de formação recebeu a premiação máxima no 43ª Anual de Arte FAAP. Em 2013 participou do 18º Festival Internacional de Arte Contemporânea VIDEOBRASIL no SESC.  Participou, no ano de 2014, da quarta edição do prêmio EDP nas Artes, e em 2019 foi selecionado para Arte Londrina 8. O convite para expor um caderno específico feito para uma exposição, se mostrou para o artista, um desafio e oportunidade de compartilhar parte do seu processo criativo.

– Gustavo Aragoni, nasceu em Osasco em 1975. É dedicado à pesquisa em filosofia contemporânea, desenho e instalação. Estudou pintura e desenho com Dudi Maia Rosa e ilustração com Fernando Vilela. Após, frequentou o curso de desenho de animação do Centro Universitário Belas Artes e o grupo de acompanhamento de projetos do Hermes Artes Visuais. Participou de salões, exposições coletivas e individuais, e recebeu o prêmio aquisição no 18º Salão Nacional de Arte de Jataí e no 47º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, isso no ano de 2019. Seu caderno tem um caráter experimental, mas também funcional, sendo um espaço que reúne estudos, anotações, escrituras, desenhos, colagens e esboços.

– Higo Joseph, nascido em São Benedito/CE no ano de1994, vive e trabalha em São Paulo. É artista visual multidisciplinar, formado em Multimídia, Comunicação Visual e Artes Visuais. Foi selecionado para temporada de projetos 2020 do Paço das Artes. Está na 18ª edição do programa de exposições do Museu de Arte de Ribeirão Preto (MARP) em 2020 e no 48º Salão de arte contemporânea Luiz Sacilotto. Nos últimos quatro anos vem participando de diversas exposições, com destaque para as individuais. Seus trabalhos no caderno foram pensados como projetos iniciais que podem se desenrolar em obras maiores.

– Irene Guerriero vive e trabalha em São Paulo, é graduada em artes plásticas e trabalha com pinturas e colagens. Tem participado de exposições coletivas, destacando-se na 18ª edição do programa de exposições do MARP em 2021. Seu trabalho faz parte da coleção do Museu da Diversidade Sexual em São Paulo e também está em coleções particulares na Alemanha, Argentina, Canadá, China, Croácia, El Salvador, Escócia, Estados Unidos, França, Inglaterra, Itália, México, Suíça, Taiwan e Ucrânia. Seu caderno é um lugar mágico, onde imagens vão surgindo.

– Liliana Alves nasceu em 1962 em Itajubá/MG. Reside e trabalha em Sorocaba/SP, como professora e pintora. Graduada em Letras, frequentou cursos livres e participou de várias mostras importantes como Pinacoteca Municipal de Sorocaba. Está no 48º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, Santo André com Prêmio Aquisição, Programa de exposições MARP 2019, Programa de exposições MARP 2020, no 42º Salão de Arte Contemporânea de Ribeirão Preto (SARP), no 47º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba, na 1ª Trienal de Artes Frestas no SESC em Sorocaba, Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba (MACS) e em 1º no Concurso Itamaraty de Arte Contemporânea de Brasília/DF. Tem obras em acervos do MACS, Museu Florean, Bucareste-ROM e Prefeitura de Santo André. Apropria-se de motivos simples do cotidiano para pintar com linguagem visual, da sua arte vem a expressão poética, suas sensações e reflexões se organizam em tintas e o caderno serve como ferramenta de seus estudos e pesquisas.

– Mariano Barone é nascido no ano de 1985 em Santa Fé na Argentina. Vive e trabalha em São Paulo desde 2009, onde conduz sua pesquisa a partir do desenho, da pintura, da serigrafia e da instalação. Bacharel em artes visuais, teve sua primeira mostra individual em GARRANCHÓN no ano 2018 na Galeria Sancovsky em São Paulo. Participou do 42º e 44º SARP no MARP, das coletivas Novas Poéticas da Galeria Cañizares na Escola de Belas Artes em Salvador/BA no ano de 2017, entre outras. O artista olha o caderno de artista mais como um conjunto de pinturas feitas num determinado período.

– Rodrigo Selles nasceu em 1987, em São José do Rio Preto em São Paulo. É bacharel em design e explora temas pessoais e sociais a partir de um viés angustiante, de horror, cômico e fantástico, usando símbolos figurativos e narrativas visuais. Em 2018 participou do Picnic Art Festival em Shangai. No ano de 2020 participou da Exposição Apropriações na Lona Galeria em São Paulo e da 11ª Bienal Internacional de Arte Jovem de Vila Verde em Portugal. Ao trabalhar no caderno dedicou carinho e cuidado que as telas e folhas pediam no cotidiano.

– Sueli Espicalquis é nascida em 1955 em Araçatuba/SP. Vive e trabalha em São Paulo. Iniciou sua formação participando de residências e cursos, com orientação de artistas como Paulo Whitaker, Paulo Pasta e do Grupo Hermes (Carla Chaim e Nino Cais), entre outros. Pesquisa a materialidade e fisicalidade da cor, utilizando suportes como pintura, desenho, fotografia e instalação, para refletir sobre a era em que vive e o seu entorno. Premiações: menção honrosa pela obra Caderno no VIII Salão de Artes Plásticas de São José do Rio Preto e menção honrosa pelo conjunto da obra no 40º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba. O seu caderno é de colagens, a partir de um livro de Tomie Ohtake, artista que se destacou em pintura, gravura e escultura e pelo seu reconhecimento tornou-se uma espécie de embaixatriz das artes e da cultura no Brasil.

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A partir de 31 de agosto, o trabalho da artista – que também é convidada da 34ª Bienal de São Paulo – estará exposto no segundo andar da instituição. Com crescente reconhecimento no circuito artístico, Yuko já apresentou suas obras no Japão, França e Inglaterra, além do Brasil

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